Kritik über Enduring Freedom

Davide Sannia, Genova 2019
Ebenfalls auf höchstem Niveau ist „Enduring Freedom“, inszeniert von Imre Thormann, direktem Schüler eines der Gründungsväter von Butoh, Kazuo Ohno. Eine seltene Gelegenheit, ihn auf der Bühne zu sehen, da er seine Shows normalerweise nie öfter als einmal im Jahr wiederholt.
Die wenigen anwesenden Zuschauer (die Vorstellung richtet sich an eine sehr begrenzte Anzahl von Personen) werden gebeten, einen von der Organisation bereitgestellten weißen Overall mit Kapuze zu tragen. Diesmal ist der ausgewiesene Ort der angrenzende Sala del Minor Consiglio, ebenfalls im Dogenpalast. Wenn sich die Tür öffnet, nimmt man auf Sitzen Platz, die einen rechteckigen Bühnenraum begrenzen, an dessen Rand weiße Neonröhrenlichter installiert sind. Das einzige Element, das innerhalb des Rechtecks ​​in einer Ecke vorhanden ist, ist ein Stuhl, der mit dem der Zuschauer identisch ist.
Der Tänzer betritt die Szene und nimmt Platz. Er ist normal gekleidet (Jeans, brauner Wollpullover, Stiefel und Mütze). Nach einem langen Atemzug steht er auf und zieht langsam alle seine Kleider aus. Hier beginnt eine Reise, die mit Worten schwer zu beschreiben ist und weit entfernt von jedem definierten Horizont. Es ist die Aktivierung eines fließenden Pfades, bei dem der Tänzer sehr tief in sich hinein hört, immer abseits der Kunstfertigkeit. Sein Körper belebt intensive Muskelkontraktionen, das dumpfe Geräusch seiner Knie, die zu Boden fallen, trifft das Publikum in weniger als zwei Metern Entfernung. Im Laufe der Aufführung dringt der Schweiß in alles ein, Augen, Arme, Brust, während die ersten Tränen in die Gesichter des Betrachters fallen.
Nichts kann vom Geschehen ablenken, obwohl es keine Musik, keine Worte, keinen kleinen Vorwand zur Unterhaltung gibt. Die Glatze und der angespannte Blick in unfreiwillig fremden Fratzen helfen, diejenigen zu betäuben, die nun unfreiwillige Komplizen eines Abgrunds sind, der den Menschen den ständigen Stürzen und der offensichtlichen Unfähigkeit zum Stehen völlig ausgeliefert ist.
Dann lässt alles langsam nach, und wie vor einem Band, das sich zurückspult, finden wir Imre Thormann wieder angezogen auf dem Stuhl sitzend. Und wir können uns endlich mit ihm entspannen, glücklich mit diesem unerwarteten Überleben, das uns beschäftigt.

Original in Italian
Simona Frigerio, Genova 2018
Von Imre Thormann hatten wir Enduring Freedom bereits vor ein paar Jahren gesehen, wiederum dank der Klugheit und des Mutes ihrer künstlerischen Entscheidungen des Akropolis-Theaters. Das Wiedererleben dieser Erfahrung bestätigte unsere Intuitionen - wie individuell und trügerisch - über Thormanns Theaterkunst und wie vor zwei Jahren erlebten wir dieses Gefühl von Apnoe und Entzücken. Wir bedauerten das Leiden durch eine Zwerchfellbewegung, die von Thormanns Körper auf unseren hallte - Artaud erklärte nicht überraschend: „Jede Emotion hat eine organische Grundlage. Jede unterschiedliche Atemmethode kann auf ihren symbolischen Gehalt hin analysiert werden, und noch einmal: es ist notwendig, auf die Zuschauer wie Schlangenbeschwörer zu wirken und sie durch den Körper die feinsten Empfindungen finden zu lassen. Bei Thormann gibt es (auch im Gegensatz zu den beiden anderen Aufführungen am selben Tag) kein Zugeständnis an die Ästhetik. Die Öffentlichkeit ist persönlich eingeladen, die gemeinsame Matrix, diese unsere Seele aus Fleisch (Artaud docet) zur Kenntnis zu nehmen und sie physisch in einheitlich weißen, neutralen Overalls zu teilen - wo es immer noch Widerstand geben würde, dem weltlichen Ritus beizuwohnen des Theaters, nackt wie Thormann. Wie die Pest infiziert das Theater, macht krank, führt zu physischem und psychischem Leiden. Das butō dient Imre nur als rigorose Disziplin, die es ihm erlaubt, seinen Körper und mit ihm jede Geste oder jeden Atemzug in eine ausdrucksstarke Hieroglyphe einer endlich wahr werdenden Sprache zu verwandeln, die viel mehr bedeutungsvoll ist als all die jetzt abgenutzten Worte – von denen eines speist das Theater zu oft. Visuell verweisen die Fluidität der Bewegungen, die Fülle der Gesten, die Fähigkeit, den kleinen Raum zu bewohnen, den Thormann für sich selbst gewinnt – mit einer Reihe von Neonlichtern, die in einem Ring angeordnet sind – unweigerlich auf eine Skulptur, die nicht kristallisierte Spannung ist, sondern Reinheit der Formen, die in drei Dimensionen gezeichnet sind, denen eine vierte hinzugefügt wird, Zeit - in einer unendlichen Wiederholung von Geschenken. Wie Nietzsche prophezeite: „Die ewige Sanduhr des Daseins wird immer auf den Kopf gestellt und du mit ihr, Staubkorn“; das Leiden der Menschheit wird von Afghanistan, das von Bush zu seinem "Guten" bombardiert wurde (der Titel bezieht sich auf die 2001 gestarteten US-Militäroperationen), bis zum Jemen unter saudischen Angriffen erneuert. "J'ai recu la vie comme une blessure, et j'ai défendu au suicide de guérir la scar" (Ich habe das Leben als Wunde erhalten und ich verbot Selbstmord, um die Narbe zu heilen, t.d.g. Lautréamont). Theater als einzige Plage, die uns von den Schmerzen des Lebens heilen kann.

Original in Italian
Luciano Uggè, Genova 2018
Am Ende des langen und reichen Tages die Wiederholung von Enduring Freedom, von und mit Imre Thormann. Mit dieser Performance betreten wir eine entschieden westlichere Dimension von Butoh. Ein Körper, allein in seiner Nacktheit, der sich in absoluter Stille bewegt, auf einem ebenso kahlen Boden und mit der einzigen Beleuchtung eines Neonkreises, um den Raum abzugrenzen. Die dramaturgische Konstruktion orientiert sich an einem weiteren westlichen Zwang, angeführt von den USA, eine Intervention (dh einen militärischen Angriff) mit klaren wirtschaftspolitischen Zielen, getarnt mit dem Banner der Demokratie, zu rechtfertigen. Wie kann man Frieden und Sicherheit, Würde für ein Volk mit Mitteln wie Krieg erreichen?
Thormann nimmt es auf sich und scheint das Leiden der Stars and Stripes Operation durch seinen eigenen Körper fast zu verstoffwechseln. Unglaube an das, was passiert, das ersetzt wird durch Angst, Hunger, Angst vor Folter oder Bombardierung und all den Utensilien, die jeder Krieg mit sich bringt. Der Körper bricht langsam aber sicher zusammen, hält nicht mehr stand – denn auch die Ausdauer hat eine Grenze. Die Augen, die Lippen werden zum Dreh- und Angelpunkt einer Performance, bei der die kleinste Bewegung, selbst eine ausdrucksvolle, zu einem präzisen Signifikanten wird. Sein Gesicht braucht keine Masken, um sich vor unseren Augen zu verwandeln, die psychische Schwere übersetzt sich in den verzweifelten Versuch, einen Körper hochzuhalten, der alle Lebensenergie, alle Hoffnung verloren hat. Eine fast qualvolle Erfahrung, die man auf emotionaler Ebene erlebt; und andererseits ist es auf ästhetischer Ebene schwer zu verstehen, wie ein Körper in der kurzen Zeitspanne einer Aufführung deutlich machen kann, was all die Worte, die jetzt die Bedeutung der Massenmedien haben, am meisten blutige Bilder des Schmerzfernsehens, die sie nicht einmal im Entferntesten ausdrücken können (oder wollen).
Wie jedes Mal, wenn Sie sich der Kunst von Imre Thormann gegenübersehen, sind Sie ungläubig und dankbar.

Original in Italian
Cristina Zanotto, Genova 2018
Wir bereiten uns darauf vor, mit einem weißen Overall mit Kapuze einzutreten, als müssten wir unsere "Form" aufgeben, um die gewohnte Konformität zu verlieren. Das Gefühl, das man beim Tragen des Kleidungsstücks bekommt, ist zunächst fremd, man fühlt sich peinlich, peinlich. Sie lassen uns in der Halle sitzen, hier finden wir einen Raum im Raum, mit einer eher kompakten rechteckigen Form - für eine maximale Kapazität von 40 Zuschauern - und wir sitzen da.
Dann tritt Imre ein. Vollständig angezogen setzt er sich hin und fängt nach ein paar Minuten an, sich auszuziehen, bis er ganz nackt ist.

So beginnt der Akt der Transformation, während ich ihn beobachte, frage ich mich, ob er wirklich hier, vor mir oder woanders ist, sein Blick scheint an einen anderen Ort, Raum / Zeit projiziert zu werden, der nicht zu diesem Moment gehört - er kommt mir zu Hilfe in der Beschreibung von Roberta Bagni, die beschreibt: "Oft merken wir während des Tanzes nicht, was und wo wir tanzen, wir sind einfach, wir sind einfach, in dieser Gegenwart, wie in einer Zeremonie, in der uralte Lebensformen, Erinnerungen an die Erde, das Hier und Jetzt in voller Demut angesichts der unerschöpflichen Fülle dessen, was uns umgibt uns, ehrlich aufrichtig wie er ist, vor uns fällt er, steht auf, fällt, schlägt ständig mit seinen Knochen, Knien, Kopf, Hüften, alles kehrt immer stark zur Erde zurück und der kalte Boden scheint ihm egal zu sein , nicht um die Schmerzen zu kümmern, noch um die roten blauen Flecken, die beginnt in seinem Körper zu erscheinen, der ein äußerst intensives Erlebnis zu erzählen beginnt. Ich leide ein wenig für ihn, ich glaube, seine Knie werden früher oder später explodieren, ich denke, der Anzug dient mir, ich fühle mich geborgen, fast beschützt, denn was ich sehe, ist ein bisschen "vergewaltigen" mich auf dem Bild, das ich immer hatte der Bewegung und die mit ihm gebrochen wird. In Irme sehe ich eine fast primitive Sprache, in der alles neu aufgesetzt wird, um die Einzigartigkeit einer über das Wort hinausgehenden Urform wiederzuentdecken. Aus diesem Grund glaube ich, dass es nicht als Show bezeichnet werden kann, hier hat der Zuschauer, vielleicht sogar improvisiert, die Möglichkeit, sich vor einer Körperforschung wiederzufinden, wo es nichts "Fake" gibt und man versteht, dass es ein Privileg ist - vielleicht nur von einigen - sensible Erfahrungen einfließen zu lassen, ohne sich von dem unterwerfen zu lassen, was uns von außen beobachtet.

Original in Italian
Francesca Camponero, Genova 2018
Nur 40 Personen aus dem Publikum, die vor dem Betreten des Saals einen weißen Mulloverall mit Kapuze tragen müssen. Die Stühle sind in einer Reihe um ein Neon-Rechteck auf dem Marmorboden angeordnet. Dies ist der Raum, den Imre Thormann betritt. Er ist angezogen, wenn er in den Bergen spazieren geht: Anorak, Rollkragenpullover, Jeans, T-Shirt und Wanderschuhe. Er setzt sich in eine Ecke, auf einen eisernen Stuhl, und nach einem Atemzug beginnt er leise seine Kleider auszuziehen, eine nach der anderen, einschließlich seiner Unterwäsche. Ganz nackt gelassen, beginnt er den Körper zu schütteln, verstanden als Organe, Knochen und Muskeln, wie von einer uralten Kraft bewegt. Sein Wesen ist vernichtet und befreit, er kann alles tun. Beständige Freiheit ist unbestreitbar eine Reise der inneren und äußeren Befreiung.

Thormann externalisiert sein eigenes Empfinden weit davon entfernt, sich in einer Technik zu formalisieren, schließlich ist dies Butoh. Gekrümmter, zusammengezogener, flacher Bauch, Glatze, wir entdecken einen Urmenschen in ständiger Metamorphose wieder. Sein Gesicht wechselt von tragisch zu komisch, seine Gliedmaßen ziehen sich zusammen und lösen sich gemäß einer entfernten Logik, die wir vielleicht nie verstehen werden. Er wird klein, dann groß in einem unerklärlichen und unerreichbaren Design für Normalsterbliche. Das einzige Geräusch sind seine Knie, wenn er sich heftig auf den Boden wirft, wo er sich schleppt und Schweißspuren hinterlässt, die hauptsächlich von Kopf und Gesicht herabsteigen, wie von Tränen gezeichnet. Sein Körper fällt, bricht aber nicht, tatsächlich scheint er aus einem inneren Schmerz, der schmerzt, immer mehr Kraft und Vitalität zu finden. Schließlich erhebt er sich aus seiner letzten Fötusstellung, kehrt zu seinem Stuhl in der Ecke zurück, zieht sich an und lässt das Bild mit der Gleichgültigkeit, mit der er gekommen war, auf dem Boden liegen.

Das Publikum jubelt, aber er kommt nicht zurück, um den Applaus zu nehmen. Vielleicht ist ihm der Triumph zu irdisch.

Original in Italian
Matteo Brighenti, Genova 2016
Es ist ein hagerer Körper in seiner nakten Existenz der den Aufstand des Fleisches fordert, um neu erfunden zu werden. Ein Körper getanzt am Ursprung, jenseits der täglichen Konventionen. Spannung, Beben, Gärung. Imre Thormann, einer der bedeutendsten Butoh-Meister der Welt, ist ganz Strenge, Mühe und Freude an einer andauernden Freiheit. Genau “Enduring freedom” heisst die letzte Kreation des berner Tänzers, Jahrgang 1966; nach einer Karriere ohne Erfolg in einer Punk-Band hat er Kampfsportarten wie Aikido, Kung Fu, Tai-Chi und Taekwondo erlernt und war in Japan Schüler des Gründers des Butoh, Kazuo Ohno und von Michizou Noguchi.

Das "Woanders" einer fortdauernden Bewegung hat uns soweit erschüttert, dass wir uns wie eins fühlten mit dem, das eine Spanne weit vor unseren Augen vorging. Vergessen waren die Sirenen der Krankenwagen und das Geschrei der Kinder im Garten der Villa Rossi Martini in Genua, Sitz des Ereignisses, einer nationalen Erstaufführung im Rahmen des VII Festivals “Zeugnis, Forschung und Aktionen”, unterstützt vom Theater Akropolis.

Ein Rechteck von Neonröhren, auf einem Marmorboden mit weiss-blauem Schachbrettmuster ist der Ort den Imre Thormann auf ganz normale Art betritt. Er ist ganz gewöhnlich angezogen, so wie er auch nach der Darstellung und beim Nachtessen sein wird: dunkelblauer Nadelstreifenanzug, eng gerippt, ganz nah an uns Zuschauer, die wir auf den vier Seiten sitzen. Schwarze Schnürstiefel, weisses Hemd, schwarzer Hut mit breiter Krempe. Er sieht einem Killer, einem Mörder oder einem Spion ähnlich, nicht von der Kälte kommend, wie der Hauptdarsteller im Roman von Le Carré, aber aus dem Morgenland. Er setzt sich in eine Ecke auf einen Stuhl – genau wie die unseren – und nach einem tiefen Atemzug zieht er sich ruhig und feierlich aus. Nachdem er sich erhoben hat, löst sich Thormann in einer Totalität des Tanzes, welche Worte nur beschreiben können, wenn sie sich in Organe, Knochen und Muskeln, von einer tiefgreifenden vererbten fast goettlichen Kraft, verwandelt haben, nicht um eine Realität darzustellen, sondern um eine neue Realität zu schaffen. Der Mensch, auf ein Nichts zurückgeführt, ist zu allem fähig. Enduring Freedom ist eine Reise der inneren und äusseren Befreiung. Butoh fordert uns heraus, die eigene authentische Art zu äussern und beruht auf einem tiefen Verhältnis zwischen Körper und Natur, weit davon entfernt, sich in einer Technik zu formalisieren.
Gekrümmt, hager, gespannt, magere Beine, flacher Bauch, kahler Schädel entdeckt sich Imre Thormann als erster Mensch auf Erden, in fortdauernder Verwandlung, Adam, der aus dem Garten Eden kommt, sich vorwärts bewegt, umarmt und lacht, wirbelt und sich windet in allem was da ist. Es gelingt ihm, sich ganz klein und sehr gross zu machen, es scheint, es nehme kein Ende. Er wirft sich schlagartig auf die Erde, er schleppt sich, an seinen Knien verankert, er bricht zusammen. Er bewegt sich nicht nur äusserlich, sondern auch und vor allem aus dem Innern heraus. Der Schweiss fliesst vom Kopf auf die Wangen, dem Hals entlang, es sind die Tränen der Anstrengung und der absoluten Kontrolle der Geste. Die Schläge auf den Boden werden zur einzigen Musik im Raum. Die Schläge und sein Atem.
Die Hände erhoben und den Mund verzerrt wie eine japanische Maske, dann die Füsse nach oben, dann fährt er fort sich zu wälzen, zu springen, sich auf den Boden zu werfen, der nicht reagiert, (er kann es nicht) aber auch der Körper zerbricht nicht. Es ist ein sich festhalten, beim abstürzen, ein sich festklammern beim abrutschen, ein dynamischer Gebrauch der Leere. Wir sind verwirrt, betäubt, vernichtet. Ein Junge weint unaufhaltsame Tränen und trotzdem können wir nicht anders als schauen: weil uns dieser Abgrund in welchen Imre Thormann hinabgestiegen ist, etwas angeht, der Abgrund der vom Licht des Egoismus angezogen Nachtfalter, der kein Mitleid kennt. Abgrund für die Menschen auf dem Marmortisch des Doktors Mengele, der oekeonomisch ausgebeuteten Menschen, oder der Menschen unter den Trümmern der mit Bomben exportierten Demokratie anlässlich der "Unternehmung Enduring Freedom”, nach dem 11. September 2001 gegen die Taliban in Afghanistan (die Homonymie mit dem Titel der Darbietung ist kein Zufall). Der Kopf des Tänzers, rot von den erhaltenen Schlägen, ist jetzt von Schweiss überströmt. Er wälzt sich gegen seinen Stuhl in der Ecke und verbleibt dort in fötaler Position. Wenn er sich wieder aufrichtet, um sich anzuziehen, überkommt uns ein Beben von erwachtem Leben, wir beginnen aufs Neue zu atmen, wie eine einzige grosse Lunge, die bis zu diesem Moment den Atem angehalten hat. Tormann lebt noch, oder besser: er lebt wieder. Also können auch wir überleben, auch wir haben die Kraft zu widerstehen und neu geboren zu werden.
Das was uns vorher unmöglich erschien, ist eben vor unseren Augen geschehen. Der Beifall, reichlich, anteilnehmend und dankbar, bedeutet, dass wir verstanden haben und nicht vergessen werden. Die Veränderung ist in unserem Körper aufgezeichnet. Ein Arm, ein Bein können genügen, um alles auszudrücken und zu tun.

Original in Italian
Simona Frigerio, Genova, April 2016
Indem Imre Thormann seine performance weiter ausgetrocknet hat (es war das zweite Mal, dass er die Darbietung ohne Live Musik aufführte), ist er an die Essenz des Inhalts und der Form gelangt - nicht mehr mit der Absicht das sklerotische Ergebnis, einer technischen Durchführung zu erreichen, sondern als immanentes Zeichen von universeller Bedeutung. In diesem Fall, im Gegensatz zu anderen Darstellungen von Butoh, Audruck einer kulturellen Prägung. Enduring Freedom ist eine Frage und gleichzeitig eine mögliche Antwort, wie sich die Menschheit in einer Welt bewahren kann, wo man meint, Freiheit (oder Frieden und Demokratie) mit Kriegen zu erringen. Ein Oxymoron das andere Ziele (Oekonomische und Geopolitische) verhüllt, zeigt sich in ganzer Sinnlosigkeit, ohne dass Thormann ein einziges Wort ausspricht. In seinem Körper als Performer, kann sich der Zuschauer selbst erkennen. Dasselbe Fleisch, gebogen und leidend, alt und krank, an der Grenze des Abgrunds, ist trotzdem fähig, sich wieder aufzurichten, im letzten Augenblick den Kopf aufzuheben und zu lächeln, weil es wirklich wahr ist, dass nur “ das Schöne die Welt retten kann”.

Original in Italian
Simona Frigerio, Genova, April 2016
Und in diesem Groove geht das mitreißende und tiefgründige Werk von Imre Thormann mit dem Titel Enduring Freedom von einem persönlichen Bedürfnis des Performers aus. Finden Sie eine Lösung, einen Fluchtweg oder eine Alternative, und geben Sie denen eine Antwort, die behaupten, die Freiheit eines Volkes durch Krieg gegen es zu sichern. Wenn Bush in Afghanistan dieser endlosen Serie von Bombenanschlägen, gezielten Tötungen, Destabilisierung nationaler Einheiten, Sprachmystifizierungen, die den Namen Krieg gegen den Terror tragen, Platz gemacht hat, bleibt Thormann bei der Denunziation nicht stehen. Er überschreitet die dünne rote Linie, die Klarheit und Wahnsinn trennt, um das Leiden des Opfers zu leben und zu atmen, das ein Teil des Selbst ist, da wir alle Menschen sind, die durch den gleichen Körper vereint sind. Und jeder konnte sich Shylocks Worte zu eigen machen: „Wenn du uns stichst, spenden wir dann kein Blut? Wenn Sie uns kitzeln, lachen wir dann nicht? Wenn du uns vergiftest, werden wir dann nicht sterben? "

An diesem schmerzenden Körper, in dem jeder Muskel, der vor Schmerzen verkrampft ist, Ausdruck menschlichen Leidens wird, wird das Auge für den Zuschauer zu einem ungeeigneten Mittel, um es mit anderen zu teilen. Die öffentliche Erfahrung ist nicht einzigartig. Im kleinen Raum der Villa Rossi Martini sind die Reaktionen ganz unterschiedlich. Jeder kann nur seine eigene Erfahrung beschreiben, die aus seiner persönlichen Erfahrung und aus der Empathie, die bei Thormann aufgebaut wird, entsteht. Je offener man sich selbst für den anderen ist, desto stärker wird die Beteiligung sein. Einige in der Halle weinen; andere bleiben versteinert; wieder andere schauen weg oder müssen den Raum verlassen, weil sie überfordert sind. Manche erinnern sich an den Tod eines Familienmitglieds, andere an die Krankheit, die uns um die Ecke erwartet. Jemand kommt unversehrt heraus. Vielleicht werden andere sogar genervt. In diesem Fall hat das Theater seinen eigenen Tod begangen. Aber selbst im schmerzlichsten körperlichen und emotionalen Ausdruck scheint es die Menschheit zu sein, die den Kopf zu erheben und zu gewinnen scheint - in diesem schwachen Lächeln, in dieser Sturheit, nicht aufzugeben. Der Akt selbst, des befreienden Sinnes beraubt, ist ein weiteres Mittel, die Individualität des Anderen von sich selbst zu zerstören (nicht zu verwechseln mit Individualismus). Akt, der wie der gestreifte Pyjama alles in einer formlosen Masse homogenisiert, was die Schmach noch taktiler und irdischer macht. Wenn Imre sich anzieht, als würde er ins bürgerliche Leben zurückkehren, in den Alltag, sind die armen Überreste (symbolisch und psychologisch gesprochen) das Mittel, um die eigene Würde wiederzuerlangen. Und als er am Ende seinen Hut aufsetzt und sich setzt, verstehen wir, dass die Menschheit gewonnen hat. Und damit auch wir. Von Geburt an zum Tode verurteilt, zählt nur, wie wir die Zeit leben.

Original in Italian

Kritik über The False David

Simona Frigerio, Teatro Akropolis, Genova 2021
Der Chela, der Heilige, Pater Sergius von Tolstoi oder der Jedermann tritt ein und durchbricht die Tür wie ein Mystiker in der Kirche, wie ein Neugeborenes im Mutterleib. Der buddhistische Mönch hat immer wenig bei sich, eine Schüssel und das Seil, das seine Hüften umschließt: Ist es das Seelen-/Menschennetz des Fischers, das er auswirft? Der christologische Hinweis kehrt zurück und verweist mich auf das nächste Bild, das sich in den auf dem Altar der Wahrheit geopferten Pasolini verwandelt, den Antihelden par excellence des italienischen bigotten Kommunismus der 70er Jahre, der die Diktatur der Gerechten anprangerte, bevor er in der offenen Kanalisation eines fauligen und verrottenden Italiens gesteinigt wurde.

Ich löse mich vom Hier und Jetzt, um den Schlüssel zum Problem zu erfassen, zu jenem Leben, das der Mystiker betrachtet und der Antiheld hinter sich lassen möchte - endlich frei von Pflichten und Lasten. "Man hinterlässt nur Fußabdrücke im Sand, die bei Flut ausgelöscht werden", las ich vor Jahren auf ein Wandbild auf der Insel Tao. Aber kann man frei sein, indem man sich des anderen beraubt?

Als Thormann seine Kutte ausquetscht - wie Linus seine Decke - spüre ich, wie mir das Herz sank, und ein anderer Antiheld auftritt. Der romantische Che - wie alle Revolutionäre - echt, oder einfühlsam sublimiert von Soderbergh, der nicht an Gott glaubt, sondern an den Menschen. Er weiß, dass er verlieren kann, und erinnert sich: "wer nicht kämpft, hat bereits verloren". Doch David wird Goliath niemals besiegen. Der Kapitalismus, der Ihnen Zeitpläne und Regeln auferlegt, um Ihr Leben gegen die Illusion von Sicherheit zu verkaufen, überzeugt Sie auch davon, dass die Zugehörigkeit und die Anpassung an das System die einzig mögliche Welt ist.

Für einen Moment täuscht sich der Mann, er könne ein Spatz werden – doch der Flug ist kurz. Die inhärente Weiblichkeit führt dazu, dass wir uns auseinanderreißen. Den Monolithen von 2001: A Space Odyssey hat der Primat noch nicht entdeckt – er setzt sich durch oder erliegt. Und dann ist es notwendig, dass Sisyphos das Gewicht der Welt auf sich nimmt, dieser Menschheit, die wie eine Motte gegen Wände schlägt, die nicht zu existieren scheinen, weil sie aus durchsichtigem Glas sind, aber jeder Anstrengung widerstehen und den letzten Flügelschlag auslöschen. Die Decke von Marilyn Loden wird ebenfalls aus Kristall bestehen, aber wir können sie nicht brechen.

Wie kann man der Menschheit entsagen, ohne auf das eigene Menschsein zu verzichten?

Der Pfeifer, der weggeht, ist der von Hameln (von den Gebrüdern Grimm). Und wir folgen ihm wie Mäuse in Richtung Abgrund. Ich habe das Gefühl, 50 Minuten lang den Atem angehalten zu haben, und jetzt, wenn ich zum Atmen zurückkehre, fühle ich mich lebendig wie seit Jahrhunderten nicht mehr. Antonin Artaud theoretisierte, dass das Theater wie die Pest an "Kräfte appelliert, die den Geist mit gutem Beispiel zum Ursprung seiner Konflikte zurückführen". Theater ist Offenbarung, weil es "die Menschen dazu drängt, sich selbst so zu sehen, wie sie sind, die Maske fallen lässt, die Lüge, die Laxheit, Niedrigkeit und Heuchelei aufdeckt". Imre Thormann verwirklicht auf der Bühne in einem engen und pünktlichen Dialog mit dem Klarinettisten Pierre Lassailly diese Theorien - verwandelt in eine Erzählung, die keine Worte braucht, weil sie in die Körper eingeschrieben und eingraviert sind (auch ohne das Flitter von Kunstblut) - im emphatischen und revolutionären Kontakt der sich begegnenden Körper.

Warum fürchtet die politische Macht den öffentlichen Platz und das Theater? Denn Männer und Frauen, die sich manifestieren, die eine ästhetische oder ideale Erfahrung in einem realen physischen Raum teilen, können mit der Kraft der Schönheit den Status quo untergraben. Thormann vollführt eine stille Revolution mit der Kraft der Süße.

Der Rest ist Stille.

Original in Italian
Luciano Ugge, Teatro Akropolis, 13. Genova 2021
Später besuchen und nehmen wir in der Sala del Minor Consiglio an der Aufführung von Imre Thormann - Der falsche David mit dem musikalischen Beitrag auf der Klarinette von Pierre Lassailly teil. Angerufen (angekündigt) durch den süßen Klang des Instruments, schreitet ein Mönch mühsam in seinem Gang voran. Weitermachen oder innehalten, an die eigenen Möglichkeiten glauben oder sogar Ihre Schritte zurückverfolgen: Alles vergeht im Handumdrehen. Das Leben ist eine schwere Last, die wir versuchen, mit anderen zu teilen, aber oft scheitern wir daran. Der Körper versucht, das Gewicht loszuwerden, aber die Fesseln, die uns verbinden – wirklich und metaphorisch – sind schwer aufzulösen: Wir versuchen sogar, sie wie Netze zu werfen (um Träume zu fangen?), Aber wir bleiben immer mit leeren Händen . Unsere Bitte um Hilfe scheint erstickt zu bleiben: Nackt, aber immer noch beschwert, versuchen wir einen schärferen Impuls - vielleicht in eine Umarmung gestreckt - aber ohne Erfolg, während Thormanns Gesicht von Hoffnung über Schmerz zu Verzweiflung verblasst. Die Musik unterstützt diese Momente gut, die langsam zum Bewusstsein der Schwierigkeit und vielleicht der Unmöglichkeit des Teilens führen. Erinnerungen häufen sich, auch optisch, und um den Kopf herum scheinen die Fesseln schmerzhafter Erinnerungen uns zu einer ewigen Rückkehr zu zwingen. Verzicht scheint die einzige Möglichkeit zu sein, aber die Last verwandelt sich an dieser Stelle in die Wahl einer Zukunft der Einsamkeit. „Nicht auf der Höhe zu sein“ ist der Zweifel, der aufkommt – „aber wovon?“, fragt man sich. Der innere Weg manifestiert sich äußerlich in seiner ganzen Dramatik. Und wie im Butoh üblich, entfernt sich der Tänzer, gefolgt vom Musiker, ohne den Applaus entgegennehmen zu müssen, der im Theater eine inzwischen völlig bedeutungslose Geste nach außen ist - jedem mit der gleichen Leichtigkeit entbehrlich, mit der wir am Ende einer Fernsehsendung einen Kanal umdrehen.

Doch die Arbeiten von Imre Thormann haben nie ein wirkliches Ende, sie drehen sich im Gehirn weiter und kehren – auf emotionaler Ebene – auch in den folgenden Tagen wieder. Manchmal scheinen wir jetzt fast einen wundersamen Fang zu begreifen, der jedoch nicht zur Erleuchtung wird. Das an Bord gezogene Netz ist leer, aber ist es der Mensch, der nicht auf der Höhe der Zeit ist, oder ist es die Menschheit, die den Geist der Zusammenarbeit verloren hat, der vielleicht der Grund für ihre Entwicklung war? Es wird gesagt, dass diejenigen, die Wind säen, Stürme ernten. Aber in der Stille der Welt stellen wir fest, dass das Warten am Ufer oft nicht mehr ausreicht. Der Drang, mitzumachen und die Herausforderung anzunehmen, verblasst unter dem Radar und lässt uns die Qual zurück, dies nicht getan zu haben. Aber morgen ist ein anderer Tag.

Original in Italian
Jean Marie Gourreau, Espace culturel Bertin Poirée, Paris 2019
Der Falsche David ist weder ein Held noch ein Kämpfer. Vielmehr erhebt er sich aus dem Schatten seines Seins, dort wo der Schmerz der Geburt in einem unendlichen Widerhall erklingt. Wo Aufstieg Fall bedeutet, die Freude im Schmerz ertrinkt und der Tod das Leben umarmt. In der ewigen Wiederkehr findet er seine Freiheit. Das Butoh-Festival 2019 hat gerade seine Türen im Espace Culturel Bertin Poirée in Paris mit der Aufführung eines faszinierenden, in Frankreich noch wenig bekannten Tänzers, Imre Thormann, geöffnet. Durch die Figur, die er verkörpert, The False David, bringt er uns die Vision eines Butohs, der sich von dem unterscheidet, den uns die Vorläufer dieser Kunst, Tatsumi Hijikata und Kuazo Ohnô, hinterlassen haben.
Der falsche David, den Thormann verkörpert, ist kein Held der Legende, wie er es spezifiziert, sondern ein Reisender, der jeder von uns sein könnte. Er ist ein Wesen, „dessen Schmerz der Geburt, wie ein unendliches Echo nach klingt; eine Art Phantom, das unserem Schatten entspringt, sich selbst sucht, und versucht, seinen Grund zum Leben und Bestehen zu finden.

Die ergreifenden Bilder, die unter seiner Geste geboren werden, erzählen von Angst, Unterdrückung, Traurigkeit, Schmerz, und sogar Tod. Sie sind Reflexionen der Seele eines Charakters, der gelitten hat und der immer noch unter einem Wesen leidet, das nach einer geistigen Erneuerung strebt, geführt, umarmt und umschlungen vom Faden des Lebens, der Nabelschnur, so zart und zerbrechlich sie auch sein mag. Ein Körper, der hilflos versucht, gegen Widrigkeiten zu rebellieren, sich im Kreis dreht, aber immer wieder dorthin zurückkehrt, wo er angefangen hat. Sein Tanz ist der Tanz des Lebens mit allen Fragen, die er aufwerfen kann, ob materiell oder philosophisch. Er übersetzt die Bilder, die aus seinem Unterbewusstsein hervorgehen, um sie einzufangen, zu verstehen, ihnen zuzuhören, über sie nachzudenken, auf sie zu reagieren, ohne sich ihnen jedoch zu widersetzen. Bewegung geht in seinem Tanz immer mit Emotionen einher.
Kazuo Ohnô sagte einmal, dass "Tanz das Gebet des Instinkts ist". Durch dieses instinktive Gebet können wir laut Imre auf die inneren Kräfte zugreifen, die uns bewegen, und entdecken, wie es ist, zu leben.

Wenn der Tanz, den er heute praktiziert, stark von der Kunst dieser beiden Tänzer beeinflusst wird, stellt sich für ihn heraus, dass er die innere Schönheit des Menschen offenbaren und seine „innere Blume“ ausdrücken kann. "Was ich zu bieten versuche, wenn ich tanze", sagte er, "ist, diesen Körper zu öffnen, damit diese innere Blume wachsen kann, diese innere Blume sich ausdrücken kann, diese innere Schönheit ins Spiel gebracht werden kann. Wert". Deshalb ruft sein Tanz uns an, berührt uns und lässt uns vibrieren.

Original in Französisch
Julia Niedziejko, Teatre Kana, Szeczin 2019
Wo ist der Anfang und wo ist das Ende des Kreises?

Während der Diskussion zwischen Imre Thormann und dem Publikum über das Stück “The False David”, entpuppte sich Imre Thormann, als Verfechter der Mystik. Er gab breite und mehrdeutige Antworten, so als könnten Worte sein Spektakel mit sorgfältig konstruierter Dramaturgie, entzaubern. Wie ein buddhistischer Meister manövrierte er zwischen natürlichen Metaphern und bestätigte Selbsterkenntnis und Stoizismus. Kein Wunder, dass Thormann viele Jahre in Japan lebte, wo er unter dem wachsamen Auge von Meister Kazuo Ohno, die Geheimnisse des Butoh-Tanzes erforschte. Der Einfluss seines Meister wurde in dem in Kana vorgestellten Projekt deutlich sichtbar.
Ich hatte den Eindruck, dass die Antworten, die Thormann während des Gesprächs dem Publikum gab, nicht so sehr die Thematik der Aufführung selbst erklärten, sondern dem Publikum einen Überblick über das Lebens-Credo des Künstlers gaben.

Es ist eine Präsentation eines Schauspielers, der in der Bewegung, ein Netz von Bedeutungen verwebt. Der von ihm verwendete formale Minimalismus betonte die Einfachheit der kleinsten Gesten voller Symbolik. Das rhythmische Wandern entlang der Kreisbahn, die das einzige Bühnenbildelement der Aufführung war, kann mit zahlreichen Assoziationen frei gekreuzt werden. Es gibt keine zeitgenössischen Kontexte, kein Bündel akademischer Diskurse, keine offenkundigen kulturellen Bezüge. Der Titel The False David ist ein Archetyp eines Mannes, dessen Reise die Zusammenstöße auf vielen Ebenen der Existenz veranschaulicht.